L'arte di Sarah Sze non è religiosa, ma mi ricorda la vicinanza di Dio

Cinque anni fa ho visitato la Haus der Kunst, un museo d'arte contemporanea a Monaco, in Germania. Il mio obiettivo era una mostra di opere di Kiki Smith (nata nel 1954), di cui avevo insegnato in corsi di teologia e arte visiva. Quella mostra era al secondo piano; per prima cosa dovevo passare attraverso la sala centrale del museo. Il vasto spazio era buio e, fatta eccezione per le massicce colonne di epoca nazista, in gran parte vuoto. Ho notato, però, una piccola installazione all'estremità della sala, leggermente illuminata dall'interno.

Mi sono avvicinato. Era una costruzione apparentemente instabile di bastoncini di bambù, carta strappata, videoproiettori, lampade da scrivania, bicchieri di plastica e scatole di sale, disposti come un anfiteatro in miniatura, che proiettavano bagliori di colore e punti di luce bianca verso l'esterno, attraverso la stanza e sul soffitto. . Ci ho girato intorno, attratto da come si sparpagliava e restava sospeso insieme tutto in una volta. Avevo paura di avvicinarmi troppo, perché sembrava così fragile, ma non riuscivo nemmeno a credere con quanta forza resistesse alla massiccia architettura che lo circondava. Sono andato alla mostra di Kiki Smith ma sono tornato a questa strana piccola installazione, “Centrifuge” (2017). Sono uscito dal museo pensandoci e non mi sono più fermato. Così è andato il mio primo incontro con il lavoro dell'artista americana Sarah Sze.

L'arte di Sarah Sze, ora esposta al Guggenheim Museum di New York, mi spinge a riflettere su come la presenza amorevole di Dio risuona sullo sfondo delle nostre vite.

Da quel giorno di aprile del 2018, mi sono informato sull'arte di Sze, ne ho parlato in conferenze accademiche e l'ho insegnato agli studenti del Collegio della Santa Croce. Sze è un artista visivo che insegna alla Columbia University. Trovo nel suo lavoro multimediale, sempre con la sua firma - la raccolta di frammenti disparati della vita quotidiana in composizioni visivamente accattivanti e in qualche modo, nella loro diversità, coese - una fonte di piacere visivo, ma anche uno stimolo a pensare a come opera la grazia di Dio. nelle nostre vite. L'arte di Sze, che non è religiosa, mi spinge a riflettere su come la presenza amorevole di Dio risuona sullo sfondo delle nostre vite, su come Dio ci sostiene, su come Dio raccoglie i frammenti della nostra vita e li assembla, e su come cooperiamo con la grazia di Dio. fare lo stesso.

Sono stato entusiasta di scoprire di recente che Sze ha una mostra attualmente in mostra al Guggenheim Museum di New York City (31 marzo – 5 settembre 2023). Ho deciso di visitare.

La mostra si chiama “Sarah Sze: Timelapse” ed è curata da Hui Kyung An. Si estende attraverso la facciata del museo (di notte, con video proiettati rotanti che attraversano l'esterno arrotondato), la rotonda centrale (un pendolo sospeso a un filo blu reale, che è legato ad altri, unificando l'intera mostra) e il sesto e settimo livello dell'edificio. La maggior parte dei lavori sono nuovi di zecca, del 2023, ma vengono visualizzati due lavori più vecchi: “Untitled (Media Lab)” (1998), che è stato il primo dei lavori di Sze a utilizzare il video, ora uno dei suoi tratti distintivi; e “Timekeeper” (2016), un'installazione monumentale che esemplifica il modo in cui Sze è alle prese con il tema del tempo.

Le opere dai colori abbaglianti di Sze brillano sullo sfondo delle austere pareti bianco sporco di Frank Lloyd Wright, e le sue costruzioni meticolosamente articolate completano piacevolmente il peso dignitoso dell'edificio. Quando l'ho visitato, lo spazio era pieno di attività, sicuramente all'interno delle opere d'arte, ma anche tra gli ospiti. Il lavoro di Sze è eminentemente fotografabile. Dato che ora siamo tutti fotografi, rispondiamo alla sua dispersione di immagini, sia attraverso video proiettati in movimento che attraverso stampe a getto d'inchiostro strappate su carta, creando e diffondendo la nostra documentazione fotografica digitale. Il lavoro di Sze riflette consapevolmente sul ruolo ormai smisurato delle immagini nelle nostre vite: sono ovunque, scandiscono ogni momento, quasi più vicine a noi di quanto lo siamo noi stessi!

Come pittore sono rimasto fortemente colpito da “Times Zero” (2023). Il dipinto-collage sulla parete è rettangolare, ma il piano pittorico è dominato da forme circolari, come increspature sull'acqua. In effetti, i motivi del collage includono una fotografia di placide acque al tramonto; un altro è un arcipelago e l'acqua circostante a mezzogiorno; un altro ancora mostra le acque artiche con banchi di ghiaccio. La pace di queste immagini dell'acqua dolcemente increspate è disturbata, tuttavia, dal fuoco: una griglia circolare s'infiamma al centro del bersaglio del dipinto; la vernice arancione gocciola sulle stampe strappate; colate laviche tra macchie di blu. Immagini di mani e di una giovane donna addormentata attraversano il resto dell'opera. Ma questo non è tutto. Ciò che rende “Times Zero” un tale successo è il modo in cui Sze replica e disperde l’immagine dipinta. Lo completò, lo fotografò, fece una stampa in scala reale di alta qualità, strappò la stampa e la installò come riflesso infranto del dipinto sul piedistallo sottostante. Gli spettatori sono sfidati a raccogliere l'immagine fratturata con la loro immaginazione e quindi a contribuire all'opera. Brillante.